Los creadores Fermín Díez de Ulzurrun y Sancho Rodríguez, en su propuesta “#SADA. Memoria / Orgullo/ Futuro.”, han efectuado un mapeo a tres niveles –estructuras, agentes y procesos– de las infraestructuras agrícolas relacionadas con el vino existentes en esta localidad navarra en su proyecto para Landarte.
Acceso a los vídeos del proyecto pinchando en los nombres de los mismos en mayúsculas a continuación:
Con motivo del 80 aniversario de la bodega del municipio se ha propuesto digitalizar su archivo –documentos, fotografías y objetos importantes– y se ha planteado elaborar un vino de garnacha. Las uvas se han recolectado en auzolan en la viña más vieja de la población, plantada en 1925 y desgranada de manera colaborativa. Posteriormente, la enóloga de la bodega elaborará, junto con los artistas, un vino que servirá de “prototipo” para explorar las relaciones entre los modelos productivos y el valor añadido, más allá de los costes de producción. Además, se aprovechará la marca ALTA SADA. Los artistas han planteado elaborar 3 vinos: Memoria, Orgullo, Futuro. Además, se ha editado, de forma online, un fanzine y realizado cartelería para el proyecto. El acto de cierre del proyecto tuvo lugar el pasado 5 de diciembre.
Durante las últimas décadas, el proceso de urbanización generalizada ha transformado radicalmente la situación -y la propia condición- de lo agrario y de lo rural, estableciendo un nuevo escenario donde las relaciones entre el campo y la ciudad adquieren connotaciones inéditas.
Comprender estas nuevas coordenadas es imprescindible para encarar estrategias que traten de revertir la histórica subordinación cultural del mundo agrario y rural. También para explorar las posibilidades y las limitaciones a las que se enfrenta cualquier proyecto cultural entendido como una herramienta de transformación en el territorio.
La cuarta edición de Landarte se celebra bajo el lema ‘Cultura contemporánea y ruralidad’ hasta octubre de 2020 en siete localidades navarras donde varios artistas y creadoras desarrollan procesos culturales en colaboración con sus habitantes.
Maite Redondo y Luca Rullo trabajan en el municipio de Beire; Fermín Díez de Ulzurrun y Sancho Rodríguez en Sada; Nader Koochaki en Arano; Nerea de Diego y el colectivo La Comunidad en Mendaza; Cabezafuego en Lizoain-Arriasgoiti; Txaro Fontalba en Vidángoz; y el colectivo Cabeza de Artista (Patxi Aldunate y Alfredo Murillo) en Tulebras-Barillas.
Una exposición en Alcalá de Henares durante este verano recupera las imágenes que la fotógrafa Piedad Isla tomó de su entorno más cercano en los años cincuenta y sesenta.
Imagen superior: Piedad Isla. A huebra limpiando el monte, 1962.
Piedad Isla (Cervera de Pisuerga 1926 – Madrid 2009) dirigió su cámara vitalista y comprometida a la realidad de la España rural de la postguerra, concretamente a su ámbito vital más próximo, la Montaña Palentina. Su trabajo como fotógrafa de la zona norte de la provincia le permitió el contacto directo desde los años 50 con formas de vida hoy desaparecidas, creando un importantísimo registro tanto por su valor documental, como por su sensibilidad estética, que trasmite un halo radiante y esperanzado. Los documentos gráficos de Piedad tienen el valor de la autenticidad, de la frescura, son fragmentos de vivencias fijadas en la nostalgia del blanco y negro, instantes únicos de la vida rural en estado puro, salvados del anonimato definitivo gracias a su cámara.
Su dedicación a la fotografía le valió numerosos reconocimientos a lo largo de su trayectoria profesional, en la que fue pionera, estudiando fotografía en Oviedo, y siendo corresponsal de la Agencia Efe. También desplegó una intensa actividad como dinamizadora social, filántropa y defensora del patrimonio y de la naturaleza.
Su legado se conserva en la Fundación que lleva su nombre y el de su marido, en la localidad de Cervera de Pisuerga.
La exposición se podrá visitar los martes de 18:00 a 21:00 horas, de miércoles a sábado de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 y los domingos de 11:00 a 14:00 horas. Los lunes permanecerá cerrada.
moito hai que non nos vemos,
moito hai que non nos falamos,
o camiño bota herba onde nós paseabamos,
o camiño bota herba onde nós paseabamos,
ailalalá ailalalá ailalá ailalálalalá
estou tola de alegría
que me fixo miña nai
uns pantalonciños novos
duns vellos que do meu pai uns pantalonciños novos
duns vellos que do meu pai ailalalá ailalalá ailalá ailalálalalá
de la canción “Pateado da Ponte Grixoa"
Pandeireteiras sin fronteiros ( @pansenfron en instagram e facebook) es un coro o grupo de música tradicional gallega formado por 20 personas en el año 2012 en A Coruña.
El propio nombre del coro ya nos explica esa vuelta de tuerca que le están haciendo a la tradición desde la contemporaneidad. Ofrecen una reinvención de la tradición más clásica con ese toque “rural contemporánea” que tanto nos gusta.
"Antes, cuando una persona enfermaba, todos los vecinos iban a ayudar la esa familia a trabajar en el campo. Es cierto que no todo era bueno, pero hay que salvar lo que sí que lo es"
Su propuesta es una investigación y un trabajo de campo sobre la música tradicional gallega, que parte de la recuperación de la tradición cultural, musical y oral de su territorio, acercándola a una forma más actual de entenderla y vivirla.
Trabajan con voces y percusiones, basándose en una estructura de coro tradicional, en el que se suceden recursos de voz, diálogos, contestaciones.
Destaca su forma de vestir y su presencia escénica. Incorporan prendas sencillas en contraposición a los trajes elavoradísimos de la escena tradicional, prendas de diferentes épocas a las que añaden complementos de colores y estampados diversos. Tunean sus panderetas y calzan zapatillas de andar por casa.
Han viajado por todo el mundo actuando en diversos festivales.
Su repertorio de temas está basado en recuperar la tradición oral gallega, pero también exploran las tradiciones orales de todo el mundo a través de la propia, procurando similitudes con el folclore de otros pueblos y lugares.
"tenemos más en común de lo que pensamos, lo que pasa es que desconocemos mucho de otras culturas"
Rodrigo Cuevas (1985) vive en Vegarrionda, un pequeño pueblo asturiano de 15 habitantes que pocos sabrían situar en el mapa. Acabó seducido por el mundo rural después pasar 13 años estudiando piano y tuba en el conservatorio de Oviedo y Barcelona. Descubrió que su motivación no estaba en las grandes urbes, sino allí donde residía el folclore de nuestro pasado para, a su vez, conectar con el presente.
Y ese es precisamente el objetivo de Manual de cortejo, un disco producido por Raül Refree donde revisa la música tradicional y la adereza con ritmos electrónicos contemporáneos. A lo largo de sus quince canciones hay bailes asturianos como el xiringüelu o danzas gallegas como la muñeira, pero también historias que hablan de otros tiempos de los que quizá no hemos aprendido lo suficiente.
Cuevas es cantante y compositor, pero también un provocador con coartada queer que aprovecha el humor para hacer llegar un mensaje que, en el fondo, tiene mucho de serio: la reivindicación de la cultura local. Nos descuelga el teléfono en su pueblo, pero unos problemas iniciales de cobertura impiden la conversación. 30 minutos después, ya en mejores condiciones, comienza la entrevista.
¿Qué rituales de cortejo antiguo cree que hay que recuperar urgentemente?
La ronda, el baile, la caidita de ojos y los piececitos debajo de la mesa.
Una canción que use para enamorar.
Una que dice (canta): Serranita mía, siéntate a mi vera, porque a mi lado respiras, que tengo la piel morena. Y eres el sol de Navarra y la luna de Aragón y eres el carro triunfante que arrastra mi corazón.
¿A qué político rondaría?
A ninguno. Soy de una clase social y tengo mucha conciencia de clase, no necesito mezclarme con otras que no hacen más que explotar a la mía.
¿Cuál es la prenda más sexy del traje tradicional asturiano?
El pañuelo de la cabeza y toda la ropa interior.
Le llaman el Freddy Mercury del folclore asturiano, pero ¿qué tiene realmente en común con él?
(Se mira en el espejo mientras responde). El bigote y la pelambrera del pecho, nada más.
Tino Casal resucita y lo tiene que llevar de copas, ¿a dónde lo llevaría?
Me lo llevaría por la calle Gascona, en Oviedo, a tomar sidra.
En sus videoclips aparecen lugares de Asturias y gente local, ¿por qué?
Primero, porque no tengo tanto dinero (ríe). Segundo, va en el espíritu de lo que hago, de lo popular, de la comunidad, de la colaboración y de lo humano.
¿Qué géneros quedan por (y le gustaría) reinterpretar?
A mí me encantaría cantar verdiales de los montes de Málaga, pero hay que nacer allí, son muy difíciles.
Cuando la muerte acecha, cuando se puede sentir el frío aliento del fín en la nuca; el ser humano es capaz de llegar analizar lo esencial, desechar lo banal, encontrar la pureza, despreciar el odio y abrazar las cosas de nuevo, como si uno volviese a nacer.
En el mundo antiguo, el de nuestros abuelos, y en el de los abuelos de éstos; la muerte era algo presente, de lo que se hablaba claramente, cara a cara. Porque es verdad, porque es necesaria y porque es tremenda, y sabían que la única forma de que la muerte no fuese olvido era hablando, contando.
Contémonos lo que nos asusta, lo que nos queremos, juntémonos y contémonos cosas, porque ni las cosas ni las personas se acaban con su muerte: nada más se acaba lo que no se cuenta.
"Muerte en Motilleja" Música original del pueblo de Motilleja, contada por la Ronda de Motilleja. Adaptación: Rodrigo Cuevas y Raül Refree.
Arima
Jaione Camborda | España | 2019 | 77 min V.O. en gallego subtitulada en español e inglés
Sinopsis: Arima es una película de fantasmas. En un pueblo de verdor y piedra gris, no se sabe si real o producto de un sueño febril, se plantea una historia protagonizada por cuatro mujeres y una niña. La llegada de dos forasteros desajusta su ecosistema, el miedo y el deseo afloran descubriendo una maraña de ecos del pasado, misterios y juegos de espejos. Debut en el largometraje de una de las figuras más prometedoras del Novo Cinema Galego, Jaione Camborda.
P- Hay un punto casi etnográfico en la película en la forma en la que retratas el lugar. ¿Hay algún tipo de intención en esto?
R- Hay algo espectral también, algo paralizado en el tiempo que tiene que ver con los recuerdos, con un abandono del presente. Un lugar como podría ser un cine, que en su momento vivió tiempos de esplendor y ahora está ahí abandonado, unos parques infantiles que ya no tienen niños. Hay una idea de recuerdo pero a la vez de decadencia de lo actual, y esto tiene también una dimensión espectral, es como una parte no tangible de los personajes, más emocional.
La organización agraria UPA ha desarrollado el documental 'Barchecho, en el corazón del despoblamiento' para reivindicar al sector agrario como arma contra la despoblación del medio rural. Lejos de estar muerta, una tierra en barbecho bulle de actividad. Una actividad subterránea y muchas veces invisible, pero necesaria para que, en el momento que se trabaje sobre ella, desarrolle todo su potencial. La España vacía no lo está en realidad, millones de personas resisten frente al despoblamiento viviendo y trabajando en sus pueblos. Son héroes, pero no quieren serlo. Sólo desean ser ciudadanos y ciudadanas que puedan vivir su vida en igualdad. El proyecto Barbecho. En el corazón del despoblamiento es una iniciativa de la Unión de Pequeños Agricultores y Ganaderos que trata de dar voz a los agricultores y ganaderos y demostrar su capacidad para aprovechar los recursos de forma sostenible y llenar de vida los pueblos, frenando así el despoblamiento.
Trailer
Documental completo
¿Pueden la agricultura y la ganadería familiar salvar a España del despoblamiento? ¿Es lógico que miles de pueblos y enormes áreas de un país queden desiertos frente a la sobrepoblación de las ciudades? "Barbecho. En el corazón del despoblamiento" es el segundo documental producido por la Unión de Pequeños Agricultores y Ganaderos UPA. Con la financiación del Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación. Con la colaboración de INTEROVIC.
«Recordé que mi abuelo Valentín guardaba los viejos cencerros de su rebaño. A través de su sonido se desempolva la estela del tiempo, la memoria trashumante y la propia vida, que es un camino o un tránsito cinematográfico. La película registra a los últimos pastores trashumantes de Tierras Altas de Soria. Los hermanos Pérez habitan horizontes milenarios componiendo a su paso la banda sonora del camino. Ecos de romances y leyendas transmitidos alrededor del fuego. De la voz de mi abuelo Virgilio La loba parda, un viaje por las veredas del recuerdo, un devenir o deriva del camino», Cristina Ortega Blanco.
Cristina Ortega Blanco ha presentado su segundo largometraje documental, La loba parda, que participa en la sección DOC. España de esta pasada 64 Seminci y que retrata la supervivencia de los últimos pastores trashumantes de Tierras Altas de Soria a través del relato de sus dos abuelos como pilares fundamentales de la tradición y la memoria.
El documental, en el que Ortega Blanco ha trabajado durante ocho años y cuyo resultado asegura ser una «anécdota”»en comparación con todo el material del que disponía, nace a raíz de un mediometraje previo de la cineasta –La música de los rebaños– que narra la relación entre pastor y oveja a través de las onomatopeyas y los cencerros, elemento muy presente también en esta cinta. Mediante un trashumar de imágenes, La loba parda no solo cuenta la labor de los hermanos Pérez, sino que a través de planos fijos va mucho más allá del simple acto del pastoreo. En palabras de su directora «es una deriva, un camino, una búsqueda cinematográfica a través del olvido».
El título La loba parda proviene de un romance anónimo castellano del siglo XIV, que el abuelo de la directora recita al principio del largometraje y que «pretende evocar la sensación alrededor de la hoguera y de la tradición oral», según ha afirmado la cineasta durante el coloquio posterior a la proyección.
Durante todo el largometraje, Ortega Blanco utiliza numerosos recursos para reflejar a través de la cinematografía la manera en que se sienten todas aquellas personas que habitan en el campo. La cineasta ha explicado que «podemos ver una metáfora entre la niebla y el camino, que hace referencia a la pérdida y al sentimiento de abandono que tenemos la gente rural».
El trasfondo que deja ver esta cinta es la despoblación de las zonas rurales y el olvido de sus habitantes. «Es algo que llevo viendo desde que nací y que ocurre desde los años 60. El problema es que la solución viene dada desde las ciudades, cuando debería gestionarse entre la gente del pueblo para sacar adelante nuestra tierra» han opinado la directora sobre esta problemática.
Fotolibro de Ruth Montiel Arias que reflexiona sobre la dominación animal a través de la caza, dialogando entre lo real y lo simbólico.
"BESTIAE es la síntesis del asombro que caracteriza nuestra relación con lo no humano. La perpetua contradicción entre la celebración de la vida y la aniquilación del otro. Es un trabajo de espionaje en la más profunda intimidad de la violencia. Los recónditos de su textura, su olor pastoso y los sigilosos aullidos de las muertes anónimas. BESTIAE es, diría yo, casi demasiado bello para la infamia que retrata."
Catia Faria
"Bestiae es un proyecto artístico que se ha podido producir gracias a las ayudas Propuestas Vegap 2017. Un trabajo materializado en un vídeo, dos piezas escultóricas y un fotolibro. Después de un año de recorrido expositivo por Galicia, Asturias, Madrid y Baviera, he visto necesaria la publicación del fotolibro para hacerlo llegar a un mayor número de personas." Con esta introducción nos invita Ruth Montiel Arias a conocer más de su proyecto y apoyarlo, más info en el siguiente enlace: https://www.verkami.com/projects/26032-bestiae
"Un proyecto artístico que reflexiona en torno a la caza y el patriarcado"
Explotación animal y machismo. Aunque no resulte visible de manera automática, no sorprende la vinculación entre ambas cuestiones. Desde la concepción de que la carne roja es propia de hombres, mientras que una ensalada es propia de mujeres, hasta la anecdótica presencia de mujeres toreando o en torneos de tiro al pichón. Explicaba Carol J. Adams en su ya clásico The Sexual Politics of Meat que la actual masculinidad está construida en base a conceptos como la objetualización, control y violencia de los hombres frente a los otros. Otros, que son tanto mujeres como otros animales.
Esta relación se hace igualmente patente en la caza, una práctica -los federados la denominan deporte- que, además de quitar la vida a un animal, conlleva otras muchas actividades. Las cacerías no solo son escenarios donde se desarrolla una cultura de la violencia, también son entornos perfectos para hacer negocios, para hacer alarde de riqueza y para medir hombrías. Un ambiente en el que la fotógrafa Ruth Montiel Arias se ha sumergido para reflexionar sobre ese mundo tantas veces vetado a ojos ajenos.
Materializado en un fotolibro, una pieza audiovisual y dos pequeñas esculturas, BESTIAE es un proyecto artístico acerca de la dominación masculina sobre el animal y su conceptualización en el arte, la guerra, la enfermedad y el género. Ahora la artista se ha planteado el reto de producir una tirada de 500 ejemplares del fotolibro para que llegue a más personas, por eso ha iniciado un micromecenazgo en la plataforma Verkami.
"Para la realización de BESTIAE he necesitado dos años, en los que, durante las temporadas de caza, he acompañado a distintos grupos de cazadores en numerosas batidas, así como a cazadores que van por libre", explica la artista. "De primera mano he podido vivir, comprobar y hablar con los protagonistas, ser testigo en primera línea de los mecanismos legales e ilegales que utilizan, y así recabar el material necesario para conformar el fotolibro". Las imágenes han despertado asegura la artista, después de comprobar el interés que han suscitado las imágenes en exposiciones celebradas en Galicia, Asturias, Madrid y Baviera.
No se trata del primer proyecto artístico en el que Montiel Arias se acerca a la relación de los humanos con la naturaleza y a su disonancia con los animales. Con el proyecto Sin oro no hay hombre indagó, a través de las fotografías, en las consecuencias sociales de la explotación minera en Perú y Sudáfrica; Blancanieves fue una pieza realizada para denunciar la tauromaquia y el uso de animales en el cine; en Sonidos para una utopía habla sobre la industria porcina. Además ha formado parte de la organización de Capital Animal y ha realizado reportajes para El Caballo de Nietzsche, como el de ‘a rapa das bestas’ gallega, las peleas de gallos o el trabajo de la única protectora de animales que existe en Palestina.
A diferencia de otros proyectos que denuncian la violencia de la caza, BESTIAE recurre a lo poético para llevar al lector/espectador a un estado de deleite estético y registro del ritual, que hace más impactante su contenido. "Con BESTIAE abordo un problema social tan complejo como la caza, sobre el que es necesario trabajar desde la investigación y las humanidades", explica la fotógrafa, que ha contado para su edición con la diseñadora María Gil, así como con Olmo González, que es referente en la edición de fotolibros.
BESTIAE no contará solo con las imágenes de Montiel Arias, pues cuenta también con textos de otras mujeres que ahondan en la reflexión sobre la dominación patriarcal con los animales. Partiendo de la fusión personal de la artista entre poética visual y lenguaje documental, los textos de Catia Faria, filósofa; Carmen Dalmau, historiadora de arte; y Estela Díaz, investigadora, complementan la investigación desde sus diferentes campos de estudio. "Es un trabajo de espionaje en la más profunda intimidad de la violencia. Lo recóndito de esas texturas, su olor pastoso y los sigilosos aullidos de las muertes anónimas. BESTIAE es, diría yo, casi demasiado bello para la infamia que retrata", explica Faria, investigadora del Centro de Ética Animal de la Universitat Pompeu Fabra.
Además de estas colaboraciones, la artista confía en tener el apoyo de distintos micromecenas para poder llevar el fotolibro a imprenta en el mes de abril y entregarlo en mayo. Se realizará en inglés y castellano, y estará dividido en cuatro capítulos. Quienes apuesten por este proyecto artístico y social, podrán además optar, con una pequeña diferencia de precio, a dos versiones distintas de cubierta: una normal y otra intervenida con un disparo de bala.
Sinopsis: ¿Los tomates saben mejor si crecen escuchando la música de Richard Wagner?
Elias es un pueblecito agrícola y aislado del centro de Grecia que se está muriendo. Pero dos primos ingeniosos, Christos y Alecco, se unen a las abuelas de este lugar para cultivar tomates. Con sus conocimientos y un poco de ayuda de la música de Wagner, quieren hacer realidad su sueño: exportar frascos de tomate orgánico por todo el mundo.
Desafiando a la agricultura industrial y cultivando tomates orgánicos con semillas centenarias, venden frascos de tomate y conservas hechas con un método poco ortodoxo. La exportación de productos orgánicos es un mercado muy competitivo, pero el éxito inesperado coge por sorpresa a todo el pueblo, que ha recuperado la ilusión y ha podido levantar los ánimos y la economía del lugar.
Gracias a los tomates wagnerianos, la gente de Elias ha podido entrever un futuro donde se desvanece la crisis que hace unos años golpeó a Grecia, aunque nunca es fácil salir adelante y la vida puede ser tan agridulce como un frasco de tomate en conserva. Una historia entrañable sobre el poder de las relaciones humanas y la importancia de reinventarse en época de crisis.
