Andy Goldsworthy "New Work" en Slowtrack, Madrid.

Limestone dust. By product of ‘Sleeping stones’

Cuenca, Spain

7 October 2014

Caminar sobre nieve y barro, andar como un equilibrista más de cien metros sobre una cerca de alambre de púas, resistir colgado e inmóvil sobre un árbol media hora, tumbarse inmutable en el lecho de un torrente de barro rojo mientras cae la lluvia, o escupir amapolas como si fueran sangre, son acciones que forman parte del proceso creativo del artista Andy Goldsworthy (Inglaterra, 1956).

Bajo el nombre New Work se presenta en esta exposición una muestra de fotografías y vídeos de su obra efímera reciente. En estas obras Goldsworthy extrema el trabajo físico afrontando con brío la madurez de su carrera. Las inclemencias del tiempo, la soledad, la espera, la resistencia personal, los infinitos caminos de la belleza, son conceptos elementales que comparten protagonismo con la omnipresente naturaleza en sus trabajos performativos más recientes. El resultado de estas obras queda plasmado en New Work, abierta al público desde el 2 de Abril hasta el 21 de Mayo en Slowtrack.

Fotografía y vídeo de Andy Goldsworthy

La fotografía es parte imprescindible de la obra de Andy Goldsworthy, vinculada especialmente a su obra efímera en la naturaleza. Se trata de un trabajo documental, sistemático y exigente de ejecución, selección, montaje, cadencia, visionado y conciencia por parte del artista. La obra hecha siempre sin público dura apenas un instante y de ese instante solo permanece una fotografía única, no seriada, nunca manipulada, que se convierte en un proceso performativo más, nueva obra en sí misma. Cada trabajo efímero de Goldsworthy contiene vida y como tal crece, permanece y muere siendo la fotografía la parte integral de ese ciclo que capta el momento álgido y secreto de su plenitud.

El trabajo de Goldsworthy es un compromiso cotidiano consigo mismo y con el mundo en el que habita. Su obra puede ser efímera o permanente, pero siempre parte de una necesidad y un compromiso visceral y privado. La obra de Andy Goldsworthy no busca la belleza sino la inmanencia de lo trascendente que reside en la naturaleza y solo se desvela si sabemos introducirnos en ella sin establecer jerarquías. La honestidad, pureza y osadía de sus obras desemboca en lo esencial y en lo sublime.

Goldsworthy presenta cuatro nuevos vídeos; un nuevo soporte en su cuerpo de trabajo, que en estos momentos de su carrera va tomando especial relevancia. A través de ellos vemos la intensidad de sus procesos, percibiendo el resultado visual y acercándonos al concepto de tiempo en sus acciones. 

 http://www.slowtracksociety.com/es/2016/andy-goldsworthy-new-work

Rushes. Sharp, pointed end of one pushed into the wider end of another to make lines attached to an overhanging ash branch. Reached with a ladder. Calm and overcast. Finished ahead of a strengthening wind and a clearing sky.

Dumfriesshire, Scotland

11 September 2011

 Poppies held with water. Shook off

Digne-les-bains, France

11 June 2010

Ice frozen to wall. Falling off. Piece by piece

The following day

Dumfriesshire, Scotland

29 December 2014

 Andy Goldsworthy crea obras de arte casi a diario, usando los materiales y las condiciones que encuentra allá donde esté, ya sea en la tierra que rodea su hogar de Escocia, las montañas de Francia o las de España, o los alrededores de Nueva York, Glasgow o Rio de Janeiro. Utiliza tierra, rocas, hojas, hielo, nieve, lluvia o la luz del sol para producir obras de arte que existen brevemente antes de ser alteradas y erosionadas por los procesos habituales de la naturaleza. Goldsworthy también se sirve de su propio cuerpo como medio para llevar más allá sus investigaciones, ya con sus Sombras de lluvia o a través de acciones como escupir, arrojar, trepar y andar.

 Rain shadow

Cuenca, Spain

6 October 2014

 Mud

Dumfriesshire, Scotland

13 February 2014

 My arm. Black mud

Dumfriesshire, Scotland

April, 2012

http://www.slowtracksociety.com/ 

Calle Cañizares 12

Madrid 

de martes a viernes de 10.30 a 19.30 y sábados de 11 a 14.30

5ª temporada del Centro de Arte y Naturaleza Cerro Gallinero en Hoyocasero, Ávila.

Cerro Gallinero en Hoyocasero, Ávila.

“MEMORIA”. 2001-2014 de Carlos Cuenllas (León, 1969)

Esta obra es doble, pensada para ser enterrada en dos lugares distintos. El azar ha querido que una repose debajo de tierra en la cima del Cerro, la otra, gemela está enterrada en el monasterio de La Peregrina, en Sahagún (León)

La escultura es de pvc (20x48x48 cm), con una forma intermedia entre el círculo y el cuadrado, herméticamente cerrada. Exteriormente está forrada de papel pintado de amarillo que forma una especie de piel efímera. Contiene “reliquias” que se refieren a la memoria personal de Cuenllas desde la infancia hasta el año 2001, en el que nace su primer hijo. Hay desde las raquetas de nieve de su geyperman, a trozos de látex naranja de su obra “Bosque artificial”, llaveros de su colección, piezas del entarimado original de la casa de sus padres, juguetes, llaveros, adornos de Navidad, cinturones de tae kwon do, partes de otras esculturas, galletas, chupetes de su hijo, etc.

En Sahagún, la pieza, tiene una leyenda en la que hace mención a la de Hoyocasero, con sus coordenadas, pero en el Cerro, salvo en la memoria de los asistentes al acto inaugural, no quedará ninguna indicación de su localización. Será una obra que pensada por un artista, podría ser una cápsula del tiempo de cualquiera de nosotros. 

 

“MADRE GREDIOS”,  sacrograma del poeta Eduardo Scala (Madrid, 1945), está tallado en una roca de 300 millones de años

Afincado en Ávila, siguiendo su místico Cántico de la Unidad, ha creado LITOFANÍA,  obra desarrollada entre 2012-2014. Es un proyecto  específico para el Centro, en el que Scala designa la Sierra de Gredos como “Sierra de GREDIOS”, dado el simbolismo sagrado del centro y la montaña: «Santa montaña, roca desnuda, corazón de España», así la nombró Miguel de Unamuno.

Dice Scala, “Unas piedras que no son nombradas –numeradas- no existen. Saber que pisamos trescientos millones de años, que caminamos por el tiempo sin tiempo,  que estamos tocando el origen-gen, es la trascendente-ascendente experiencia”.

El poema ha sido grabado en el granito por un maestro cantero con la  tipografía  Futura, de “paloseco” o lineal  (basada en el círculo, el cuadrado y el triángulo, siguiendo las tendencias  De Stijl y de la  Bauhaus) de Paul Renner, tipógrafo alemán, perseguido por los nazis,  creador de esta fuente, ya clásica,  entre 1924 y 1927.  Scala continúa el culto por este artista, ya que ha impreso y estampado más de diez libros de poesía y ediciones de arte con esta fuente.   

El poema de Eduardo Scala, “MADRE  GREDIOS”  -inscrito en una piedra de la Era Primaria con la fuente Futura-, tiene la sagrada forma de una vulva y lanza la idea de Dios-Madre, pues  según el Génesis (1.27), la mujer, también, es semejante a Dios.

“UN ANAGRAMA CON SOL”, es el poema pétreo que presenta Carlos de Gredos (Hoyocasero, 1958)

Por la experiencia que tenemos con las palabras, podríamos decir que una palabra y su anagrama, de alguna manera, son sinónimos.

La obra que comenzó su andadura en el año 2013 con el título inicial de “Encima de mi cabeza, en la cima de mi cabeza”, consta de una palabra, SILENCIO, tallada en el suelo y de uno de sus anagramas, SIN CIELO, justamente en su eje vertical, pues su desarrollo es circular, en la cornisa de una de las grandes rocas de la cima oeste del Cerro.

Para poder realizar esta obra se ha tenido que subir a mano todo un equipo, incluido un cuerpo de andamio.

Desde que la idea inicial surge hasta que se materializa, la obra ha ido transformándose hasta cambiar de disposición y su título.

El propio autor también tiene que comprender su obra, pues normalmente se siente superado por ella.  En este caso parece que en su interior se vislumbra un tono profético...en la cima, donde el silencio, la soledad, la inspiración y la intuición llegan con más claridad. También se puede apreciar cómo en el norte figura, casualmente, la S y en el sur, causalmente la N.

Si María Antonia Ortega ha escrito: “La poesía es la palabra llena de silencio”, acaso no nos estará esperando el Silencio transformado en Poesía. En esta ocasión se llega al silencio mediante la propia palabra, pues para que el espectador termine la obra y tenga verdadero sentido, se ha de colocar en el centro de la corona de palabras y así tendrá encima de su cabeza, la “ausencia de cielo”, o todo el cielo del mundo. 

5ª temporada  

Centro de Arte y Naturaleza CERRO GALLINERO

Hoyocasero, Ávila.

http://cerrogallinero.com/

El Cerro Gallinero es paisaje, es territorio, es herencia, pero sobre todo es naturaleza. Aquí nos vemos dentro del paisaje y al contemplar una obra dentro de él no nos queda más remedio, para nuestro bien, que identificarnos, que mimetizarnos con lo que vemos. Sentimos que nosotros, los observadores y el paisaje, la obra, lo observado, constituimos una misma realidad, y es más, nos atreveríamos a decir que el paisaje también nos contempla.

Las obras del Cerro son con la naturaleza y también van dirigidas hacia la naturaleza, pues ella, con el tiempo las modificará y a la postre las terminará por modelar, y en algún caso, las hará desaparecer, porqué no, como a un ser vivo más. Y como ser vivo, su memoria perdurará más allá de los pixeles.

El que se acostumbra a pasear, a andar, como podemos extraer del término anglosajón 

LAND ART 

ANDAR 

que al fin y al cabo es a lo que estamos invitados, goza con la lentitud del que aprehende lo que ve. De esta manera lo valoramos, despertamos el respeto por aquello que contemplamos, nos identificamos y sentimos el placer de pertenecer a la Totalidad. Somos parte y Somos Todo.

Los ejes fundamentales del Centro son las intervenciones pensadas específicamente para el Cerro, tanto permanentes como efímeras, el desarrollo con el tiempo de becas de residencia de poesía, música y danza con el propósito de que la experiencia tenga un camino de retorno y al año siguiente sean presentadas en el lugar del que partieron, tanto terminadas como en forma de embrión. Todo esto que ahora empieza irá creciendo con la ayuda de los Amigos del Cerro.

Hoyocasero, a 19 de enero de 2012.

 

Crónica en Avilared.com sobre el día de la presentación de las nuevas piezas:

http://avilared.com/not/11424/el-cerro-gallinero-acoge-una-capsula-del-tiempo-tambien-enterrada-en-leon 

 Carlos de Gredos mostrando algunas de las piezas el día de la presentación.

Luis Jaume "SUMMER"

SUMMER 

 La mayoría de los performers consideran que el desarrollo del lenguaje corporal puede poner en peligro el rigor conceptual de sus acciones, y muchos artistas optan por la “estética del performer” antes que caer en una teatralización. Esta estética consiste en alcanzar un hermetismo tal que el performance parece estar en una constante deuda con una tradición retratística o escultórica, cuando la gestualidad podría dar una nueva oportunidad al arte, que siempre ha mirado de reojo la danza contemporánea. 
 En mi trabajo parto de una experiencia gestual y escénica que procuro registrar con una plasticidad cargada de intenciones. En la serie Summer, la interpretación del cura es convincente, podría decirse que hiperrealista. Pero si vistiera el uniforme de rigor del performer, sería sin lugar a dudas un performer. Cura y performer tienen idéntica gestualidad y ante tal conclusión se debería replantear qué tipo de activismo funciona en el arte actual a través de un cuerpo político adormecido. ¿Quizás solo nos queda la posibilidad de revestirlo de símbolos? 
 Summer remite a la fábula marxista de George Orwell, es la hipotética segunda parte de “rebelión en la granja” en la que un cura ofrece a los animales el estupefaciente. También es mi reacción crítica contra los principios morales del catolicismo, cada vez más próximos a los del arte contemporáneo. A Summer le sigue “Curator, el brazo moral del arte”, actualmente en producción. 

Luis Jaume

Biografía aproximativa: Nací en una isla en los años 70. Permanecí en otra isla durante 20 años y nunca he estado en la cárcel. He estudiado en un colegio religioso y más tarde he estudiado una carrera. Qué carrera? vete a saber! He viajado a varios países y en dos de ellos he permanecido largas temporadas: uno era septentrional y otro, meridional. En el septentrional la gente se caracterizaba por el carácter frío y en el meridional por el carácter cálido: esperábais una paradoja?...

La infancia de Luis Jaume transcurrió entre Mallorca y Menorca, su isla natal, donde un terrible accidente marcará su personalidad. Aunque su vocación era escribir, un error le conduce a estudiar Bellas Artes. La elegancia inusual y difícil de interpretar es un rasgo reconocible en su fotografía. 

http://www.luisjaume.com/ 

https://www.youtube.com/user/salvameporfavor 

https://es-la.facebook.com/luisjaume 

http://disturbingcodes.blogspot.com.es/2011/11/luis-jaume.html

Alex Francés

 Ojos vueltos (de la serie Lucha)

Fotografía color, 90 x 90 cm. 2001.

 www.alexfrances.es

Alex Francés es un artista que trabaja desde hace dos décadas en la consecución de una obra que habla sobre el sentido y la función de la imagen en relación con el cuerpo mediante diferentes técnicas de representación, desde el dibujo, la escultura o la fotografía hasta el vídeo o la instalación. - See more at: http://www.lavirreina.bcn.cat/es/exposiciones/8-cos-enganxat#sthash.5EZ7MkqU.dpuf

Alex Francés es un artista que trabaja desde hace dos décadas en la consecución de una obra que habla sobre el sentido y la función de la imagen en relación con el cuerpo mediante diferentes técnicas de representación, desde el dibujo, la escultura o la fotografía hasta el vídeo o la instalación. - See more at: http://www.lavirreina.bcn.cat/es/exposiciones/8-cos-enganxat#sthash.5EZ7MkqU.dpuf

La iluminación de X

Fotografía, 40 x 50 cm. 2001.

Marsupio (de la serie Barros) 

Fotografía color, 100 x 80 cm. 2001.

 Materia penetrable 

Fotografía color, 176 x85 cm. 2001.

 Funda de cuero 

Fotografía color, 165 x 92 cm. 2001.

 Cuerpo penetrable 

Fotografía color, 165 x 92 cm. 2001.

 Firme reja viril (de la serie Tejas) 

Fotografía color, 120 x120 cm. 2001.

 Capa entintada

 

Fortaleza

Alex Francés (Valencia, 1962) 

El cuerpo es el punto de partida para la reflexión sobre la identidad masculina y la propia historia personal así como su dimensión social y política, en la obra de Alex Francés, que utiliza principalmente la fotografía y el vídeo como medios de expresión. Una obra en la que es imprescindible la experiencia y la implicación del espectador en su contemplación ya que no sólo documenta las acciones que presenta sino que cuenta las vivencias contenidas en ellas.

El cuerpo en su doble vertiente de envoltura externa y sustancia interna se convierte en el elemento fundamental que se expone, mostrándose sobre todo en su carnalidad, en una materia viva que se manipula (Discontinuidad,1994, Perdiendo aceite,1996), se cubre (Fortaleza y Temible requerimiento, 2001) o se ata (Beso a beso y Las presas, 1993) para por medio de ello dejar entrever la emoción interior.

En sus acciones, los materiales y objetos que utiliza el artista a través de un proceso escultórico y pictórico en y sobre los cuerpos, a la vez de poseer un valor plástico y táctil de gran potencia, sugieren relaciones y funciones íntimas. Barro modelado, trozos de carne, ramas y hojas secas, y otro tipo de objetos como cuerdas, máscaras y capuchas, generan significados que podrían tanto aludir a prácticas sadomasoquistas homosexuales, con cierto carácter fetichista, como a expresar desamparo, e incluso, a conmover al espectador por su fragilidad y vulnerabilidad. Son ejemplo de ello Escucha la voz de Buda (1993),...y a su frío respondo como un niño asustado, y me meo, me meo (1996), Cristo corrupto (1997), Flor, semilla y fruto (2001), que llegan a ser emblemas de la vulnerabilidad de la carne y recuerdan que estamos sometidos a un proceso ineludible de degeneración; toda la obra de Francés además se mueve en la ambigüedad y la contradicción constantes, así, sus piezas provocan atracción y aversión, rechazo y deseo. 

Extraído de la Biografía del Catálogo de la exposición de in_ter_va_lo "Niño que" 

Para descargarlo: http://intervalo.es/rec_es/descargas/Alex%20Frances_Catalogo.pdf

 Nueva vida 

Fotografía color, 1998.

 Esto es lo que yo escuché (de la serie Bosque)

Fotografía color, 20 x 150 cm. 2005.

 Hermanos

Fotografía color, 36 x 200 cm. 1996.

Al principio fue el cuerpo, y el cuerpo sigue ocupando el espacio privilegiado de su representación. En la obra de determinados artistas, como es sin duda el caso de Alex Francés, el cuerpo es a la fotografía lo que el espejo a la realidad: la necesidad de verse reflejado y reconocerse en ese reflejo. Es evidente que éste no sólo atiende a las clásicas premisas míticas del Narciso viéndose por primera vez y, así pues, intentando descifrarse en un reconocimiento todavía precario y sin embargo ya sublimado. Este reflejo es espejo pero es también, como una mimesis del medio fotográfico, ventana hacia el exterior; espacio de confluencia entre dos direcciones opuestas en sus sentidos circulatorios y en sus complejas intenciones. En la mayoría de las ocasiones, y atendiendo a la trayectoria del artista desde mediados de la década de los noventa, el cuerpo se ha representado vendado, atado, maniatado, retorcido sobre sí mismo, huidizo ante la mirada del espectador, que lo asume en ocasiones como una prolongación reconocible del suyo propio, y en otras como un descubrimiento ajeno. La mirada negada, no dada, del modelo o los modelos, transmite una sensación de pudor que, sin ser seguramente premeditada, enlaza con cierta trayectoria de lo proscrito, lo desconocido, la alteridad entendida no tanto como lo inexistente o como el reverso de una misma moneda, cuanto sí de aquello existiendo y habitando en el afuera. Asimismo, aunque sólo en apariencia, representa una actitud sumisa o, más acertadamente, pasiva, donde se sitúan en primer término particularidades de relaciones personales y prácticas sexuales que van dirigidas a cuestionar los comportamientos oficialistas dictados desde patrones heterosexuales, con frecuencia tendentes a la homofobia, y de paso redefinir conceptos claves, como el de la virilidad en las prácticas homosexuales.

In the beginning it was the body; and the body still occupies a privileged spot in his representations. In the work of most artists, particularly in the case of Álex Francés, the body is to photography as mirror is to reality: the necessity of seeing one’s self reflected and recognisable in this image. It is apparent that this not only attests to the classical premises the myth of Narcissus seeing himself for the first time, and therefore, tried to decipher himself using a still precarious admission and however was sublimed. This reflection is the mirror but at the same time is a mimesis of photographic medium; a window towards the exterior, a space that serves as a meeting point of opposing direction in a circular way and its complex intentions. In most cases, and taking into account the artist’s progress from the mid-nineties, the body has been represented bandaged, tied, with the hands tied, twisted in itself, elusive to the view of the spectators, which in some occasions assumes as a recognised prolongation of himself and in other occasions a strange discovery. The hopeless look of the model or models, transmit a sensation of decency without being sure if it unintentional, transports one into the prohibited, the unknown.  This known alteration, not in the sense of its inexistence just like the other side of the same coin, once turned exists, but still an outsider. As itself, even though only in appearance, it represents a submissive attitude or to be more certain, passivity, where the most important is the particularity of personal relationships and sexual practices which aimed at questioning official dictates from a heterosexual pattern which frequently tends to be homophobic and at the same time redefines basic concepts like virility in homosexual practices. 

Art, life, time...or vice versa

Arte, vida, tiempo...o viceversa

Texto de Álvaro de los Ángeles para la exposición in_ter_va_lo, Ciclo de Arte Contemporáneo y Flamenco. 

Comisariada por Francisco del Río y Javier Codesal para Cajasol/Obra Social. Sevilla, 2008.