Empezamos esta crónica visual de PHotoEspaña 2014 con dos exposiciones dentro del Jardín Botánico de Madrid.
Produce: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Con la fotografía como medio se apela al espectador sobre la conciencia
del paso del tiempo, la necesidad de recordar y el olvido
Partiendo de la recuperación de la obra de la fotógrafa Piedad Isla, la
exposición En el recuerdo agrupa el trabajo de otras cinco fotógrafas
españolas en activo, nacidas entre 1952 y 1974, que abordan a través de
sus obras la reflexión sobre el papel de la memoria, tanto en el ámbito
de la intimidad familiar como de la memoria colectiva, tanto en un
sentido personal como social.
Por su propia naturaleza, debido a su capacidad para capturar imágenes
de la realidad en su aquí y ahora, la fotografía constituye un medio que
apela al espectador sobre la conciencia de la fugacidad de las cosas.
Las obras de estas autoras parecen, con sus particularidades
estilísticas y conceptuales, abordar esta conciencia de la fotografía
sobre el paso del tiempo, sobre la necesidad de recordar, y sobre la
amenaza del olvido que se cierne sobre lo que alguna vez existió.
Si la obra de Piedad Isla (Cervera de Pisuerga, Palencia, 1926 – Madrid,
2009) se dirige a una mirada vitalista y afable de la realidad de la
España rural de la posguerra y, en concreto, de su ámbito local más
próximo, la Montaña Palentina, las fotógrafas restantes se ocupan del
recuerdo de la historia bélica de nuestro país, en los casos de las
fotografías de Ana Teresa Ortega (Alicante, 1952) y de Rosell Meseguer
(Cartagena, 1976); de la memoria, explícita o tácita, de su propia
identidad familiar, como ocurre en las obras de Beatriz Ruibal
(Pontevedra, 1966) y Pilar Beltrán (Castellón, 1969); y de la familia y
de sus avatares como el síntoma de un diagnóstico social netamente
melancólico en el caso de Linarejos Moreno (Madrid, 1974).
Para ampliar los textos y fotografías pulsar sobre las imágenes.
Piedad Isla. A Huebra limpiando el monte, 1962 © Fundación Piedad Isla & Juan Torres
Piedad Isla (ficha cartel en la sala)
Piedad Isla
visitantes en la sala
Linarejos Moreno
Destrucción de proyecciones (detalle). © Linarejos Moreno
Real Jardín Botánico - CSIC
Fechas: 4 junio – 27 julio
Comisaria: Cristina Zelich
Produce: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Organizan: Fundació Foto Colectania y PHotoEspaña
Colabora: Real Jardín Botánico–CSIC
Esta exposición revisa la obra de los máximos exponentes del documentalismo fotográfico en España surgidos en la década de 1970.
Autores que reflejaron la sociedad rural, la vida en las pequeñas
ciudades de provincia, las culturas marginales y las tradiciones y
fiestas populares, con una mirada personal, alejada de cualquier
estereotipo
Herederos, en cierto modo, del realismo humanista de los fotógrafos de
la generación anterior, los seis autores que integran esta exposición
colectiva se diferencian de aquellos en su enfoque, alejado de los
tópicos neorrealistas y marcado por la franqueza; en su forma directa de
observar y representar la realidad, recurriendo en ocasiones a
encuadres que crean imágenes surrealistas de gran fuerza expresiva; en
su conciencia de que el lenguaje fotográfico cuenta con características y
recursos propios; y por la percepción clara de hallarse tanto ante
formas de vida y tradiciones al borde de la desaparición o la
transformación, como ante realidades que evidenciaban la distancia entre
la sociedad urbana y la rural.
La realidad que fotografiaron estaba lejos de adecuarse a la iconografía
oficial que durante los años del franquismo se había difundido a través
de publicaciones ilustradas y guías turísticas, que hacían hincapié en
los aspectos más pintorescos, ofreciendo una visión idealizada. Sus
trabajos respondían a intereses personales, no dependían de encargos y
al tratarse de proyectos a largo plazo les permitieron sumergirse en las
realidades que fotografiaban, en estrecho contacto con sus
protagonistas y entornos. Las distintas procedencias y modos de entender
y acercarse a la fotografía de cada uno de ellos singularizan su obra,
mientras que la territorialidad y la temporalidad son los ejes comunes
que estructuran sus distintos trabajos.
Cristóbal Hara en la exposición
Koldo Chamorro. Del reportaje fotográfico España Mágica, Andalucía, 1982
© Legado de Koldo Chamorro
Koldo Chamorro. Del reportaje fotográfico España Mágica, Andalucía, 1982
© Legado de Koldo Chamorro
Fernando Herráez. La mancha, 1971 © Fernando Herráez
Cristóbal Hara. El Pedernoso, 1971 © Cristóbal Hara, VEGAP
Cristóbal Hara. Provincia de Ávila, 1981 © Cristóbal Hara, VEGAP
Anna Turbau. Protestas contra la construcción de la autopista del
Atlántico, Salcedo, Pontevedra, 1977-78 © Anna Turbau, VEGAP
PHOTOESPAÑA 2014 dentro del Círculo de Bellas Artes con varias exposiciones interesantes
La Palangana
Fechas: 4 junio – 31 de agosto
Comisario: José María Parreño
Produce: Fundación Banco Santander
Organizan: Fundación Banco Santander y PHotoEspaña
Colabora: Círculo de Bellas Artes
El colectivo La Palangana revolucionó la fotografía española a
finales de la década de 1950, huyendo del academicismo y el
pictorialismo imperantes.
Esta exposición revisa la obra del grupo, que apostó por una
concepción artística de la fotografía centrada en el hombre y su
cotidianidad
La Palangana da nombre a un colectivo de fotógrafos surgido en 1959
en el seno de la Real Sociedad Fotográfica madrileña. Se trataba de un
grupo de amigos que compartían las mismas inquietudes estéticas y
teóricas. Sus intenciones eran, fundamentalmente, apartarse de los
criterios academicistas y del pictorialismo fotográfico imperante, así
como dar un testimonio veraz de la España de su tiempo mediante sus
imágenes. Para ello dirigieron su mirada a la periferia de la ciudad y a
los pueblos, una actitud insólita y casi subversiva. Desde sus
distintas sensibilidades, estos fotógrafos plantaron la semilla de lo
que hoy podríamos considerar un Neorrealismo español y, junto a otros
nombres señalados, constituyeron la llamada Escuela de Madrid.
Al grupo fundacional de La Palangana, constituido por Leonardo
Cantero, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Ramón Masats, Francisco
Ontañón y Joaquín Rubio Camín se le sumaron en dos etapas sucesivas
Fernando Gordillo, Gerardo Vielba, Juan Dolcet y Sigfrido de Guzmán, al
tiempo que algunos de los iniciadores se distanciaron del proyecto. El
nombre del colectivo procede de una fotografía, incluida en la
exposición, realizada por Francisco Ontañón. En ella vemos los retratos
de los seis fundadores depositados en una palangana, un recipiente que
utilizaban para el líquido revelador. Esta exposición estudia este
episodio clave y poco conocido de la historia de la fotografía española,
ofreciendo una cumplida muestra de la obra de sus participantes.
Retrato de Fernando Gordillo en la exposición | Foto: © R.Xo para stylefeelfree
http://stylefeelfree.blogspot.com.es/2014/06/la-palangana-o-la-revuelta-de-la.html
Fernando Gordillo "Carnicería" de la serie Pedro Bernardo su ser y su circunstancia, 1966.
"Misa en la casa de campo", 1962 de © Ramón Masats
"Niño con botella" de © Gabriel Cualladó
Leonardo Cantero
Sigfrido de Guzmán
Procesión de San Pedro Manrique, 1972.
Leonardo Cantero
Los operarios de la viña del tío Paco III, 1968.
Fotografías de Leonardo Cantero
Vista de la sala con la exposición La Palangana
El famoso reportaje "Spanish Village" de la revista Life dentro de una de las vitrinas de la exposición La Palangana.
Fotografía 2.0
Fechas: 4 junio – 27 julio
Comisario: Joan Fontcuberta
Produce: Fundación Banco Santander
Organizan: Fundación Banco Santander y PHotoEspaña
Colabora: Círculo de Bellas Artes
Fotografía 2.0 reflexiona sobre las transformaciones de la
fotografía española en un contexto de producción masiva de imágenes,
globalización y poscapitalismo
Joan Fontcuberta ha seleccionado a una veintena de fotógrafos nacidos a
partir de 1970 que han interpretado críticamente la nueva situación
Las primeras generaciones de fotógrafos se desarrollaron con la cultura
visual de la pintura, otras tomaron el cine como referencia, las
siguientes lo hicieron con la TV y finalmente ha irrumpido Internet como
universo formateador del imaginario contemporáneo. Un universo
caracterizado por un flujo de imágenes infinito.
Esta producción masiva de fotografías puede considerarse como un efecto
del pos capitalismo y de la globalización que viene propiciado por una
sucesión de innovaciones tecnológicas y culturales. El nuevo contexto ha
trastocado las reglas de juego de la imagen. Los valores de la
fotografía "sólida" que respondían a la cultura tecno-científica y a la
economía industrial del siglo XIX son sustituidos por los de una
fotografía "líquida" basada en la cultura de lo virtual y en las
economías de la información del siglo XXI.
Fotografía 2.0 pone de relieve estas transformaciones tomando como caso
de estudio el ámbito español, en un momento en que se surge una oleada
de jóvenes fotógrafos capaces de interpretar críticamente la nueva
situación. La exposición se estructura en tres apartados. El primero se
ocupa de aspectos como la banalización del acto fotográfico, la vorágine
de los reality shows, el voyeurismo exacerbado y la pérdida de
intimidad. El segundo atañe a las formulaciones de identidad social, a
las narrativas biográficas, a las ficciones personales a la luz de las
nuevas herramientas digitales. El último apunta al "inconsciente
tecnológico" de la posfotografía, a los accidentes y fisuras que son
reciclados artísticamente para desplegar un vocabulario estético
innovador.
"Intrusos" en la exposición "Fotografía 2.0" comisariada por Joan Fontcuberta
Texto en sala de
Albert Gusi sobre el proyecto "Intrusos"
Museo ICO
Zorrilla, 3
28014 Madrid
Horario:
Mar-Sab / Tue-Sat:
11.00 – 20.00 h
Dom, Fest / Sun, Hol:
10.00 – 14.00 h
Lun / Mon: Cerrado / Closed
Metro: Sevilla / Banco España
T + 34 91 420 12 42
www.fundacionico.es
Fechas: 4 junio – 7 septiembre
La exposición reúne más de 200 fotografías de cerca de cuarenta
fotógrafos entre los que se encuentran Kindel, Català-Roca, Pando o Paco
Gómez
Fotografía y Arquitectura Moderna en España, 1925-1965 nace de un
proyecto de investigación en desarrollo y presenta, por primera vez y de
forma explícita, un acercamiento al papel de la fotografía en la
modernidad arquitectónica española. Se establece como marco temporal
flexible aquellas décadas que la historiografía de la arquitectura
española señalan como específicas de lo que se denominó el Movimiento
Moderno: desde la irrupción de las vanguardias a mediados de la década
de 1920 hasta la crisis del Estilo Internacional a finales de la década
1960.
La muestra aparta las fotografías de su contexto y finalidad –la
difusión de la arquitectura– para valorarlas en sí mismas desde la
óptica de la disciplina fotográfica y la aportación de los fotógrafos.
Como ocurre en el contexto internacional, también en España se produjo
un flujo intenso de trabajo y cooperación entre fotógrafos, arquitectos y
medios de comunicación que contribuye a poner en valor la mirada de los
primeros. Junto a los más conocidos y prolíficos como Català-Roca,
Kindel, Pando o Gómez, la exposición presenta el trabajo de cerca de
cuarenta profesionales que retrataron la arquitectura española de la
modernidad. El interés de los arquitectos por la fotografía, los
retratos de los arquitectos y los medios de difusión arquitectónica son
otros de los temas que trata esta muestra, que pretende sentar en el
debate interdisciplinar las bases de una reflexión sobre el papel de la
fotografía y los fotógrafos en esta temática particular y en su propia
autonomía disciplinar.
Kindel
Poblado de colonización de Vegaviana, Cáceres, 1958. José Luis Fernández del Amo.
Copia moderna. Archivo fotográfico. Mediateca. Secretaria General Técnica. Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente.
Kindel
Poblado de colonización de Vegaviana, Cáceres, 1958. José Luis Fernández del Amo.
Copia moderna. Archivo fotográfico. Mediateca. Secretaria General Técnica. Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente.
Fechas: 4 junio – 28 septiembre
Comisaria: Carmen Martín Eizaguirre
Organiza: PHotoEspaña
Colabora: Círculo de Bellas Artes y La Góndola Membrillos
Navia expone su obra más personal, que pivota alrededor del viaje, la memoria y el territorio.
Una exposición que recorre doce años de trabajo de un autor que ha hecho del viaje su oficio y vocación
El trabajo se apoya en tres conceptos fundamentales: el territorio,
sobre el que se verifica todo proyecto fotográfico; el viaje, que lleva a
ese territorio; y la memoria, que da sentido al territorio y lo
humaniza. Navia llena este viaje de imágenes a la manera en que un
escritor usa las palabras. Su intención es que el espectador vea el
mundo reconociéndolo más que descubriéndolo y con el propósito de que
ese mirar suponga un regreso al origen, un encontrarse a sí mismo.
Navia (Madrid, 1957) empezó a trabajar como fotógrafo freelance en
1987. Perteneció a la agencia Cover y desde 1992 es miembro de Vu’. Ha
sido editor gráfico de El País Semanal y ha colaborado con el Magazine
de La Vanguardia, la edición española de National Geographic, GEO y La
Repubblica. Su trabajo más personal se desarrolla en libros como
Photobolsillo, Pisadas sonámbulas: lusofonías, Marruecos, fragmentos de
lo cotidiano, Territorios del Quijote, Ciudades Patrimonio de la
Humanidad, Un Madrid literario, o éste último, Nóstos.
la lata de membrillo La Góndola llena de fotos antiguas
Fechas: 4 junio – 14 septiembre
Comisarios: Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat
Organiza: Fundación Telefónica
Espacio Fundación Telefónica acoge la primera exposición
antológica de Antoni Arissa, uno de los más destacados representantes
españoles de la vanguardia fotográfica
Sus planteamientos fotográficos beben de los preceptos de la Nueva
Visión y de autores de las corrientes fotográficas europeas de su época
Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) se inició en la
fotografía a comienzos de la década de 1920 y la compaginó con su labor
técnica en la imprenta familiar. Si bien en sus comienzos desarrolló
temáticas costumbristas, su trabajo fue evolucionando hacia un estilo
dinámico y desprovisto de los ornamentos y referencias simbolistas que
tanto interesaron a los fotógrafos pictorialistas.
Arissa evolucionó pronto hacia una nueva visión, cercana a los
planteamientos de la fotografía centroeuropea, caracterizada por la
composición, la forma, la línea, el punto de vista y una iluminación que
acentúa las cualidades y la intención de los objetos fotográficos. Este
cambio se vio reforzado por su carrera como impresor y editor así como
por sus conocimientos de tipografía. En ese terreno encontró el espacio
necesario para el ensayo de sus herramientas visuales en la búsqueda de
una fotografía personal y moderna.
Esta exposición está compuesta por más de 160 fotografías
provenientes de las colecciones de negativos preservados por Fundación
Telefónica y el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya e incorpora
los escasos tirajes efectuados por el autor que se conservan en papel.
El proyecto culmina los esfuerzos de Fundación Telefónica en la
recuperación de archivos fotográficos, labor iniciada con el Archivo
Fotográfico de la Compañía, que permite, en este caso, presentar al
público la primera exposición antológica de Antoni Arissa.
http://www.phe.es/es/phe/exposiciones/1/seccion_oficial/211/arissa_la_sombra_y_el_fotografo_1922-1936
http://www.ruralc.com/2014/06/antoni-arissa-y-su-pictorialismo-rural.html
Asunción Molinos Gordo en la
Galería Travesía Cuatro dentro del
Festival OFF de PHE14
Banco, 2014
Fotografía digital, sobre papel
120 x 85 cm
Hambre, un objeto hecho por el hombre
10 de Junio de 2014 - 31 de Julio de 2014
Travesia Cuatro presenta la primera exposición individual de
Asunción Molinos Gordo (Aranda de Duero, España, 1979) en Madrid.
Hambre,
un objeto hecho por el hombre, es una reflexión en torno a la economía
que regula el acceso a los alimentos haciendo especial hincapié en el
rol de los mercados y sistemas de distribución actuales. Durante su
estancia en Delfina Foundation (Londres), dentro de la residencia “The
Politics of Food”,
Asunción Molinos Gordo trabajó sobre la idea del
geógrafo David Harvey “Acumulación por desposesión” aplicada a la
comida.
En esta muestra encontraremos una serie de objetos de
factura artesanal o mecanizada que nos darán las claves para entender
por qué casi 1000 millones de personas están privadas de acceso
constante y seguro a los alimentos.
Asunción Molinos Gordo
trabaja con temas de ruralidad y campesinado desde una perspectiva
transnacional, utilizando una variedad de medios entre ellos,
fotografía, escultura, instalación, sonido y video. Licenciada en Bellas
Artes por la Universidad Complutense de Madrid vive entre Egipto, Omán y
España. Su trabajo ha sido expuesto en The Townhouse Gallery (El
Cairo), Arnolfini (Bristol), Darat Al Funun (Amman), Delfina Foundation
(Londres), CAB (Burgos), Matadero (Madrid) y La Casa Encendida (Madrid)
entre otros.
vista de la exposición en la sala de la
Galería Travesía Cuatro
Sin Título (modelo matemático)
Impresión en 3D con PLA
Dimensiones variables
Para más información y conocer otras exposiciones del festival consultar dentro de la web oficial del festival: http://www.phe.es/
