RURAL CONTEMPORÁNEA: PHotoEspaña 2014 (Madrid) Algunas exposiciones seleccionadas, el reportaje.

Empezamos esta crónica visual de PHotoEspaña 2014 con dos exposiciones dentro del Jardín Botánico de Madrid.

Real Jardín Botánico - CSIC Plaza de Murillo, 2
28014 Madrid
Horario: Lun-Dom / Mon-Sun: 10.00 – 20.30 h
Entrada / Admission: 3 €
Metro Atocha / Atocha Renfe
T + 34 91 420 30 17
inforjb@rjb.csic.es
www.rjb.csic.es

Fechas: 4 junio – 27 julio
Comisarios: Julio César Abad Vidal y Oliva María Rubio
Produce: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Organiza: PHotoEspaña
Colabora: Real Jardín Botánico–CSIC

Seis fotógrafas integran una exposición que reflexiona en torno al papel de la memoria colectiva, familiar, personal o social.

Con la fotografía como medio se apela al espectador sobre la conciencia del paso del tiempo, la necesidad de recordar y el olvido

Partiendo de la recuperación de la obra de la fotógrafa Piedad Isla, la exposición En el recuerdo agrupa el trabajo de otras cinco fotógrafas españolas en activo, nacidas entre 1952 y 1974, que abordan a través de sus obras la reflexión sobre el papel de la memoria, tanto en el ámbito de la intimidad familiar como de la memoria colectiva, tanto en un sentido personal como social.

Por su propia naturaleza, debido a su capacidad para capturar imágenes de la realidad en su aquí y ahora, la fotografía constituye un medio que apela al espectador sobre la conciencia de la fugacidad de las cosas. Las obras de estas autoras parecen, con sus particularidades estilísticas y conceptuales, abordar esta conciencia de la fotografía sobre el paso del tiempo, sobre la necesidad de recordar, y sobre la amenaza del olvido que se cierne sobre lo que alguna vez existió.

Si la obra de Piedad Isla (Cervera de Pisuerga, Palencia, 1926 – Madrid, 2009) se dirige a una mirada vitalista y afable de la realidad de la España rural de la posguerra y, en concreto, de su ámbito local más próximo, la Montaña Palentina, las fotógrafas restantes se ocupan del recuerdo de la historia bélica de nuestro país, en los casos de las fotografías de Ana Teresa Ortega (Alicante, 1952) y de Rosell Meseguer (Cartagena, 1976); de la memoria, explícita o tácita, de su propia identidad familiar, como ocurre en las obras de Beatriz Ruibal (Pontevedra, 1966) y Pilar Beltrán (Castellón, 1969); y de la familia y de sus avatares como el síntoma de un diagnóstico social netamente melancólico en el caso de Linarejos Moreno (Madrid, 1974).

Para ampliar los textos y fotografías pulsar sobre las imágenes.

Piedad Isla. A Huebra limpiando el monte, 1962 © Fundación Piedad Isla & Juan Torres

Piedad Isla (ficha cartel en la sala)

Piedad Isla

visitantes en la sala

Linarejos Moreno

Vista del montaje de la pieza de Linarejos Moreno en la sala.

Destrucción de proyecciones (detalle). © Linarejos Moreno

Tan lejos, tan cerca. Documentalismo fotográfico en los años 70.

Real Jardín Botánico - CSIC

Fechas: 4 junio – 27 julio

Comisaria: Cristina Zelich
Produce: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Organizan: Fundació Foto Colectania y PHotoEspaña
Colabora: Real Jardín Botánico–CSIC

Esta exposición revisa la obra de los máximos exponentes del documentalismo fotográfico en España surgidos en la década de 1970.
Autores que reflejaron la sociedad rural, la vida en las pequeñas ciudades de provincia, las culturas marginales y las tradiciones y fiestas populares, con una mirada personal, alejada de cualquier estereotipo

Herederos, en cierto modo, del realismo humanista de los fotógrafos de la generación anterior, los seis autores que integran esta exposición colectiva se diferencian de aquellos en su enfoque, alejado de los tópicos neorrealistas y marcado por la franqueza; en su forma directa de observar y representar la realidad, recurriendo en ocasiones a encuadres que crean imágenes surrealistas de gran fuerza expresiva; en su conciencia de que el lenguaje fotográfico cuenta con características y recursos propios; y por la percepción clara de hallarse tanto ante formas de vida y tradiciones al borde de la desaparición o la transformación, como ante realidades que evidenciaban la distancia entre la sociedad urbana y la rural.

La realidad que fotografiaron estaba lejos de adecuarse a la iconografía oficial que durante los años del franquismo se había difundido a través de publicaciones ilustradas y guías turísticas, que hacían hincapié en los aspectos más pintorescos, ofreciendo una visión idealizada. Sus trabajos respondían a intereses personales, no dependían de encargos y al tratarse de proyectos a largo plazo les permitieron sumergirse en las realidades que fotografiaban, en estrecho contacto con sus protagonistas y entornos. Las distintas procedencias y modos de entender y acercarse a la fotografía de cada uno de ellos singularizan su obra, mientras que la territorialidad y la temporalidad son los ejes comunes que estructuran sus distintos trabajos.

Cristóbal Hara en la exposición

Koldo Chamorro. Del reportaje fotográfico España Mágica, Andalucía, 1982

Fernando Herráez. La mancha, 1971 © Fernando Herráez

Cristóbal Hara. El Pedernoso, 1971 © Cristóbal Hara, VEGAP

Cristóbal Hara. Provincia de Ávila, 1981 © Cristóbal Hara, VEGAP

Anna Turbau. Protestas contra la construcción de la autopista del Atlántico, Salcedo, Pontevedra, 1977-78 © Anna Turbau, VEGAP

PHOTOESPAÑA 2014 dentro del Círculo de Bellas Artes con varias exposiciones interesantes

La Palangana

Círculo de Bellas Artes - Fundación Banco Santander / Sala Goya

Alcalá, 42
28014 Madrid
Horarios de las salas:
Mar-Dom / Tue-Sun / Fest-Hol: 11.00 – 14.00 h. / 17.00 – 21.00 h
Lun / Mon: Cerrado / Closed
Entrada / Admission: 3 €
Metro Sevilla / Banco de España
T + 34 91 360 54 00
info@circulobellasartes.com
www.circulobellasartes.com
fundacionbs@gruposantander.com
www.fundacionbancosantander.com

Fechas: 4 junio – 31 de agosto
Comisario: José María Parreño
Produce: Fundación Banco Santander
Organizan: Fundación Banco Santander y PHotoEspaña
Colabora: Círculo de Bellas Artes

El colectivo La Palangana revolucionó la fotografía española a finales de la década de 1950, huyendo del academicismo y el pictorialismo imperantes.

Esta exposición revisa la obra del grupo, que apostó por una concepción artística de la fotografía centrada en el hombre y su cotidianidad

La Palangana da nombre a un colectivo de fotógrafos surgido en 1959 en el seno de la Real Sociedad Fotográfica madrileña. Se trataba de un grupo de amigos que compartían las mismas inquietudes estéticas y teóricas. Sus intenciones eran, fundamentalmente, apartarse de los criterios academicistas y del pictorialismo fotográfico imperante, así como dar un testimonio veraz de la España de su tiempo mediante sus imágenes. Para ello dirigieron su mirada a la periferia de la ciudad y a los pueblos, una actitud insólita y casi subversiva. Desde sus distintas sensibilidades, estos fotógrafos plantaron la semilla de lo que hoy podríamos considerar un Neorrealismo español y, junto a otros nombres señalados, constituyeron la llamada Escuela de Madrid.

Al grupo fundacional de La Palangana, constituido por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón y Joaquín Rubio Camín se le sumaron en dos etapas sucesivas Fernando Gordillo, Gerardo Vielba, Juan Dolcet y Sigfrido de Guzmán, al tiempo que algunos de los iniciadores se distanciaron del proyecto. El nombre del colectivo procede de una fotografía, incluida en la exposición, realizada por Francisco Ontañón. En ella vemos los retratos de los seis fundadores depositados en una palangana, un recipiente que utilizaban para el líquido revelador. Esta exposición estudia este episodio clave y poco conocido de la historia de la fotografía española, ofreciendo una cumplida muestra de la obra de sus participantes.

Retrato de Fernando Gordillo en la exposición | Foto: © R.Xo para stylefeelfree
http://stylefeelfree.blogspot.com.es/2014/06/la-palangana-o-la-revuelta-de-la.html

Fernando Gordillo "Carnicería" de la serie Pedro Bernardo su ser y su circunstancia, 1966.

"Misa en la casa de campo", 1962 de © Ramón Masats

"Niño con botella" de © Gabriel Cualladó

Leonardo Cantero

Sigfrido de Guzmán
Procesión de San Pedro Manrique, 1972.

Leonardo Cantero
Los operarios de la viña del tío Paco III, 1968.

Fotografías de Leonardo Cantero

Vista de la sala con la exposición La Palangana

El famoso reportaje "Spanish Village" de la revista Life dentro de una de las vitrinas de la exposición La Palangana.

Fotografía 2.0

Fechas: 4 junio – 27 julio

Comisario: Joan Fontcuberta
Produce: Fundación Banco Santander
Organizan: Fundación Banco Santander y PHotoEspaña
Colabora: Círculo de Bellas Artes

Fotografía 2.0 reflexiona sobre las transformaciones de la fotografía española en un contexto de producción masiva de imágenes, globalización y poscapitalismo

Joan Fontcuberta ha seleccionado a una veintena de fotógrafos nacidos a partir de 1970 que han interpretado críticamente la nueva situación

Las primeras generaciones de fotógrafos se desarrollaron con la cultura visual de la pintura, otras tomaron el cine como referencia, las siguientes lo hicieron con la TV y finalmente ha irrumpido Internet como universo formateador del imaginario contemporáneo. Un universo caracterizado por un flujo de imágenes infinito.

Esta producción masiva de fotografías puede considerarse como un efecto del pos capitalismo y de la globalización que viene propiciado por una sucesión de innovaciones tecnológicas y culturales. El nuevo contexto ha trastocado las reglas de juego de la imagen. Los valores de la fotografía "sólida" que respondían a la cultura tecno-científica y a la economía industrial del siglo XIX son sustituidos por los de una fotografía "líquida" basada en la cultura de lo virtual y en las economías de la información del siglo XXI.

Fotografía 2.0 pone de relieve estas transformaciones tomando como caso de estudio el ámbito español, en un momento en que se surge una oleada de jóvenes fotógrafos capaces de interpretar críticamente la nueva situación. La exposición se estructura en tres apartados. El primero se ocupa de aspectos como la banalización del acto fotográfico, la vorágine de los reality shows, el voyeurismo exacerbado y la pérdida de intimidad. El segundo atañe a las formulaciones de identidad social, a las narrativas biográficas, a las ficciones personales a la luz de las nuevas herramientas digitales. El último apunta al "inconsciente tecnológico" de la posfotografía, a los accidentes y fisuras que son reciclados artísticamente para desplegar un vocabulario estético innovador.

En esta exposición podemos ver el proyecto de Noelia Pérez "Viaje a la tierra de mi padre" del cual se puede ver más información en el siguiente enlace: http://www.ruralc.com/2014/06/noelia-perez-viaje-la-tierra-de-mi-padre.html

Albert Gusi "Intrusos" en la exposición "Fotografía 2.0" comisariada por Joan Fontcuberta

Texto en sala de Albert Gusi sobre el proyecto "Intrusos"

Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1965

Museo ICO
Zorrilla, 3
28014 Madrid
Horario:
Mar-Sab / Tue-Sat:
11.00 – 20.00 h
Dom, Fest / Sun, Hol:
10.00 – 14.00 h
Lun / Mon: Cerrado / Closed
Metro: Sevilla / Banco España
T + 34 91 420 12 42
www.fundacionico.es

Fechas: 4 junio – 7 septiembre

Comisario: Iñaki Bergera
Patrocina y organiza: Fundación ICO
Colabora: Proyecto de Investigación FAME
El Museo ICO presenta una muestra que pone en valor el papel disciplinar de la fotografía en el contexto de la arquitectura española de la modernidad.

La exposición reúne más de 200 fotografías de cerca de cuarenta fotógrafos entre los que se encuentran Kindel, Català-Roca, Pando o Paco Gómez

Fotografía y Arquitectura Moderna en España, 1925-1965 nace de un proyecto de investigación en desarrollo y presenta, por primera vez y de forma explícita, un acercamiento al papel de la fotografía en la modernidad arquitectónica española. Se establece como marco temporal flexible aquellas décadas que la historiografía de la arquitectura española señalan como específicas de lo que se denominó el Movimiento Moderno: desde la irrupción de las vanguardias a mediados de la década de 1920 hasta la crisis del Estilo Internacional a finales de la década 1960.

La muestra aparta las fotografías de su contexto y finalidad –la difusión de la arquitectura– para valorarlas en sí mismas desde la óptica de la disciplina fotográfica y la aportación de los fotógrafos. Como ocurre en el contexto internacional, también en España se produjo un flujo intenso de trabajo y cooperación entre fotógrafos, arquitectos y medios de comunicación que contribuye a poner en valor la mirada de los primeros. Junto a los más conocidos y prolíficos como Català-Roca, Kindel, Pando o Gómez, la exposición presenta el trabajo de cerca de cuarenta profesionales que retrataron la arquitectura española de la modernidad. El interés de los arquitectos por la fotografía, los retratos de los arquitectos y los medios de difusión arquitectónica son otros de los temas que trata esta muestra, que pretende sentar en el debate interdisciplinar las bases de una reflexión sobre el papel de la fotografía y los fotógrafos en esta temática particular y en su propia autonomía disciplinar.

Kindel
Poblado de colonización de Vegaviana, Cáceres, 1958. José Luis Fernández del Amo.
Copia moderna. Archivo fotográfico. Mediateca. Secretaria General Técnica. Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente.

Navia dentro del Círculo de Bellas Artes en una sala exterior, la sala Juana Mordó.

Navia. Nóstos

Fechas: 4 junio – 28 septiembre

Comisaria: Carmen Martín Eizaguirre
Organiza: PHotoEspaña
Colabora: Círculo de Bellas Artes y La Góndola Membrillos

Navia expone su obra más personal, que pivota alrededor del viaje, la memoria y el territorio.

Una exposición que recorre doce años de trabajo de un autor que ha hecho del viaje su oficio y vocación

Nóstos es un proyecto que nace fruto de más de doce años de trabajo. En él, el fotógrafo reflexiona acerca del viaje esencial que es la propia vida y, tras haber hecho del viaje su oficio y vocación, comparte con el espectador su visión del mundo. El nombre de la muestra y del libro que la acompaña –editado por Ediciones Anómalas– proviene de la definición del término griego Nóstos, que remite a los conceptos de vuelta a la patria, regreso, viaje, camino, salida y posibilidades de regreso.

El trabajo se apoya en tres conceptos fundamentales: el territorio, sobre el que se verifica todo proyecto fotográfico; el viaje, que lleva a ese territorio; y la memoria, que da sentido al territorio y lo humaniza. Navia llena este viaje de imágenes a la manera en que un escritor usa las palabras. Su intención es que el espectador vea el mundo reconociéndolo más que descubriéndolo y con el propósito de que ese mirar suponga un regreso al origen, un encontrarse a sí mismo.

Navia (Madrid, 1957) empezó a trabajar como fotógrafo freelance en 1987. Perteneció a la agencia Cover y desde 1992 es miembro de Vu’. Ha sido editor gráfico de El País Semanal y ha colaborado con el Magazine de La Vanguardia, la edición española de National Geographic, GEO y La Repubblica. Su trabajo más personal se desarrolla en libros como Photobolsillo, Pisadas sonámbulas: lusofonías, Marruecos, fragmentos de lo cotidiano, Territorios del Quijote, Ciudades Patrimonio de la Humanidad, Un Madrid literario, o éste último, Nóstos.

la lata de membrillo La Góndola llena de fotos antiguas

Antoni Arissa. La sombra y el fotógrafo. 1922-1936.

Espacio Fundación Telefónica Fuencarral, 3
28004 Madrid
Horarios:
Mar-Dom / Tue-Sun: 10.00 – 20.00 h
Lun / Mon: Cerrado / Closed
Entrada / Admission: Gratuita / Free
Metro Gran Vía / Sol
T. + 34 91 580 87 00
espacio@fundaciontelefonica.com
www.espacio.fundaciontelefonica.com

Fechas: 4 junio – 14 septiembre

Comisarios: Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat
Organiza: Fundación Telefónica

Espacio Fundación Telefónica acoge la primera exposición antológica de Antoni Arissa, uno de los más destacados representantes españoles de la vanguardia fotográfica

Sus planteamientos fotográficos beben de los preceptos de la Nueva Visión y de autores de las corrientes fotográficas europeas de su época

Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) se inició en la fotografía a comienzos de la década de 1920 y la compaginó con su labor técnica en la imprenta familiar. Si bien en sus comienzos desarrolló temáticas costumbristas, su trabajo fue evolucionando hacia un estilo dinámico y desprovisto de los ornamentos y referencias simbolistas que tanto interesaron a los fotógrafos pictorialistas.

Arissa evolucionó pronto hacia una nueva visión, cercana a los planteamientos de la fotografía centroeuropea, caracterizada por la composición, la forma, la línea, el punto de vista y una iluminación que acentúa las cualidades y la intención de los objetos fotográficos. Este cambio se vio reforzado por su carrera como impresor y editor así como por sus conocimientos de tipografía. En ese terreno encontró el espacio necesario para el ensayo de sus herramientas visuales en la búsqueda de una fotografía personal y moderna.

Esta exposición está compuesta por más de 160 fotografías provenientes de las colecciones de negativos preservados por Fundación Telefónica y el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya e incorpora los escasos tirajes efectuados por el autor que se conservan en papel. El proyecto culmina los esfuerzos de Fundación Telefónica en la recuperación de archivos fotográficos, labor iniciada con el Archivo Fotográfico de la Compañía, que permite, en este caso, presentar al público la primera exposición antológica de Antoni Arissa.

http://www.phe.es/es/phe/exposiciones/1/seccion_oficial/211/arissa_la_sombra_y_el_fotografo_1922-1936

http://www.ruralc.com/2014/06/antoni-arissa-y-su-pictorialismo-rural.html

Asunción Molinos Gordo en la Galería Travesía Cuatro dentro del Festival OFF de PHE14

Banco, 2014
Fotografía digital, sobre papel
120 x 85 cm

Hambre, un objeto hecho por el hombre

ASUNCION MOLINOS

10 de Junio de 2014 - 31 de Julio de 2014

Travesia Cuatro presenta la primera exposición individual de Asunción Molinos Gordo (Aranda de Duero, España, 1979) en Madrid.

Hambre, un objeto hecho por el hombre, es una reflexión en torno a la economía que regula el acceso a los alimentos haciendo especial hincapié en el rol de los mercados y sistemas de distribución actuales. Durante su estancia en Delfina Foundation (Londres), dentro de la residencia “The Politics of Food”, Asunción Molinos Gordo trabajó sobre la idea del geógrafo David Harvey “Acumulación por desposesión” aplicada a la comida.

En esta muestra encontraremos una serie de objetos de factura artesanal o mecanizada que nos darán las claves para entender por qué casi 1000 millones de personas están privadas de acceso constante y seguro a los alimentos.

Asunción Molinos Gordo trabaja con temas de ruralidad y campesinado desde una perspectiva transnacional, utilizando una variedad de medios entre ellos, fotografía, escultura, instalación, sonido y video. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid vive entre Egipto, Omán y España. Su trabajo ha sido expuesto en The Townhouse Gallery (El Cairo), Arnolfini (Bristol), Darat Al Funun (Amman), Delfina Foundation (Londres), CAB (Burgos), Matadero (Madrid) y La Casa Encendida (Madrid) entre otros.